TURANDOT: DE LA ESCENA AL MUSEO

 

© Vilma Santillán (texto)

 

A pocos días del comienzo del verano astronómico en Europa y con temperaturas que ya invitan a disfrutar del sol, del mar y de la playa, hay otras opciones que también invitan a disfrutar de los centros urbanos.

 

Es el caso de la ciudad toscana de Lucca, en Italia. Ciudad natal del compositor Giacomo Puccini, autor de grandes óperas como Tosca o La boheme, en el museo instalado en su casa natal se exhibe una interesante muestra sobre la última de sus óperas, aquella que estaba componiendo cuando falleció en 1924: Turandot. El compositor Franco Alfano fue quien la completó y se estrenó, finalmente, en el Teatro Alla Scala de Milán el 25 de abril de 1926. Y justamente para conmemorar este hecho artístico es que desde el pasado 24 de abril y hasta el 1º de noviembre de este año se podrá visitar en el museo-casa natal de Puccini en Lucca la muestra “Turandot. O  divina belleza! O sogno! O meraviglia!”.

 

Lo más destacable de esta exposición son las piezas históricas de vestuario teatral que se exponen, como los usados por María Jeritza en el estreno de la ópera en New York en noviembre de 1926; trajes de la protagonista del primer y tercer acto del estreno italiano, restaurados por el departamento de restauración del Museo del Tessuto, de Prato , y expuestos solamente al público en 2021; bocetos escenográficos originales de Galileo Chini; junto a figurines de Umberto Brunelleschi y fotografías de época.

 

A disfrutar de esta bella exposición que nos sumerge en el mundo de la lírica y del liberty italiano!

  

[+ info en: https://www.turismo.lucca.it/es/Eventos-en-Lucca/ y en https://www.puccinimuseum.org/ ]

 

15 de abril: Día Mundial del Arte

 

© Vilma Santillán (texto)

Como cada 15 de abril hoy se celebra el Día Mundial del Arte.

Proclamado en 2019 en el marco de la 40ª reunión de la Conferencia General de la UNESCO, su objetivo es promover el desarrollo, la difusión y la promoción del arte, tal cual figura en el sitio web de la organización internacional. La fecha fue elegida por ser el día del nacimiento de Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452).

Para la UNESCO, el Arte, como elemento emblemático de la diversidad cultural, es fundamental para el intercambio de ideas y conocimientos así como para la promoción del diálogo y la contribución para el desarrollo de un mundo sostenible e inclusivo.

Este año los festejos, debates y conferencias organizados alrededor del Arte tienen como lema “Un jardín de expresión: Cultivando comunidad a través del Arte” 

[+ info en: https://www.unesco.org/es/days/art-day ]

 

1813: otro año glorioso para el arte

© Vilma Santillán (texto)

Hace un tiempo escribimos una nota sobre la importancia que tuvo para el arte el año 1840, año en que nacieron el escultor Auguste Rodin, el músico Peter Tchaicovsky y el pintor Claude Monet. Y precisamente lo titulamos “1840: un año glorioso para el arte”.

Sin embargo, no ha sido el único momento en la historia del arte en que las ¿coincidencias? natalicias nos permiten, aún hoy, disfrutar de momentos de extrema belleza. Hace doscientos años, en 1813, nacieron dos maestros de la música occidental: Giuseppe Verdi en Italia y Richard Wagner en Alemania (si bien en esa época no existían como tales esos países). Ambos, cada uno en su estilo pero encuadrados dentro del período romántico, revolucionaron la ópera.

 

Foto de G.Verdi

 

Verdi ha sido reconocido como el más notable compositor de ópera italiana del siglo XIX, un puente entre la corriente bel cantista de Rossini, Bellini y Donizetti y el verismo finisecular de Puccini, Leoncavallo y Mascagni, entre otros. Sus primeros éxitos teatrales acompañaron la turbulenta situación política que se vivía en Italia en la década de 1840, previa a la unificación del reino: su apellido se convirtió en el acrónimo de “Vittorio Emmanuele Re d’ Italia”, a raíz de que este rey del Piamonte-Cerdeña encabezaba el movimiento unificador de la península itálica. Éxitos profesionales (la famosa trilogía de la década de 1850: Rigoletto, Traviata y Trovatore) se alternan con desdichas personales (la muerte en plena juventud de su primera esposa y dud dos pequeños hijos) y una lucha casi constante con la censura (en Traviata y Un ballo in maschera, por ejemplo). Escribió óperas para diversos teatros europeos e incluso africanos (Aída inauguró la temporada lírica de la ópera de El Cairo en 1871) y al final de su vida, en colaboración con el libretista Arrigo Boito, compuso Otello y Falstaff, basadas en sendos dramas shakespeareanos. Fue autor también del Requiem (1874), escrito en honor al poeta Alessandro Manzoni.

 

Foto de R. Wagner

 

 

Wagner es, aún hoy, un personaje controvertido, en comparación con Verdi, situación quizá producto de la predilección que por sus obras tuvieron los jerarcas nazis. Con varios desplazamientos por Europa escapando de sus acreedores y de las persecuciones políticas (debemos recordar su participación en las luchas revolucionarias de 1849 en la ciudad de Dresden que lo obligó a huir de esta ciudad hacia Zurich, pasando previamente por Weimar, donde Liszt lo ayuda dándole un pasaporte falso para que pudiera continuar su viaje a Suiza) y en busca de trabajo y de mecenas que auspiciaran sus obras, con dos matrimonios al igual que Verdi (el primero, bastante turbulento, con Minna Planer y el segundo con Cosima Liszt, hija del músico húngaro Franz Liszt, con quien tiene a su hija Isolda estando Cosima aún casada con su primer esposo) su vida fue  mucho más ajetreada que la del músico italiano. Así mismo, sus óperas parecen haber seguido la suerte de su autor recibiendo, en muchos casos, el merecido reconocimiento tras la muerte de Wagner. Sin embargo, en 1864, cuando Wagner se hallaba en condiciones anímicas y materiales deplorables, el rey Luis II de Baviera apareció en su auxilio, casi milagrosamente, y lo invitó a trasladarse a Munich, cancelando sus deudas, ofreciéndole una casa y encomendándole el estreno de Tristán e Isolda (1865). También estrena allí Los Maestros Cantores (1868), El Oro del Rhin (1869) y La Valquiria (1870) y repone Lohengrin (1867). En 1871 visita la localidad de Bayreuth y se convence de que ése es el lugar indicado para la construcción de su propio teatro para los Festivales Teatrales, el cual comienza a construirse con el apoyo material del rey bávaro en 1872. El 13 de agosto de 1876 se inaugura la Casa de Festivales de Bayreuth con la presencia del emperador alemán Guillermo I, el de Brasil, Don Pedro II, el rey de Württemberg, artistas y prensa de todo el mundo. Los segundos Festivales de Bayreuth tendrán lugar varios años más tarde, en 1882, cuando se estrena allí Parsifal.

En el actual Casino de Venecia, el Palazzo Vendramin, sobre el Gran Canal, fallece el músico en 1883.

Pío Collivadino: pintando la luz de una ciudad

© Mauricio Rinaldi

En estos días, y hasta el 25 de agosto, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires exhibe la exposición de dedicada al pintor argentino Pío Collivadino (Buenos Aires, 1869-1945), donde se exponen también obras de sus contemporáneos.

Nacido en Buenos Aires, Collivadino estudió pintura en Italia entre 1890 y 1906, formándose como muralista. Su regreso a la Argentina lo enfrentó a la experiencia de las transformaciones sociales y urbanas de una Buenos Aires que aceleradamente se perfilaba como una ciudad de corte europeo. Como observa la curadora de la exposición, la Dra. Laura Malosetti Costa, esta metamorfosis del paisaje urbano fue registrada fotográficamente en notas periodísticas que no tuvieron un correlato en la pintura de la época. Collivadino se presenta así como el primer pintor que toma estos temas urbanos y los representa en el novedoso paisaje ciudadano, capturando los contrastes propios de los cambios sociales. Desde el punto de vista del teatro, destacamos su actuación como Director de la Academia Nacional de Bellas Artes, fundando los talleres de grabado y de escenografía.

Su amplio dominio técnico, por momentos, cercano al impresionismo y, por momentos, claramente puntillista, lo revela como un profundo observador de las situaciones lumínicas y de los juegos de la luz que tan difícil hacen su representación en la pintura. Así, los reflejos trémulos de los cascos de los barcos en las aguas del Riachuelo, las sombras liláceas o azuladas en un mediodía de pleno sol en el barrio de La Boca, una tarde grisácea y nublada a la salida de una fábrica, las luces cálidas que asoman entre oscuridades nocturnas y el otoño  dorado frente a la entrada de la iglesia del Pilar, nos invitan a sentir la luz de la ciudad.

Invitamos a ver las imágenes de sus obras más abajo, pero recomendamos visitar la muestra y enfrentarse a los originales, siempre irremplazables.

Museo Nacional de Bellas Artes: Av. Del Libertador 1473

Pabellón de exposiciones temporarias
23 de Julio al 25 de agosto de 2013
Martes a viernes 12.30 a 20.30
Sábado y Domingo 9.30 a 20.30
Entrada libre y gratuita

[+ info en: www.mnba.org.ar ]

Storia della luce. Da Euclide a Einstein, libro de Vasco Ronchi

 

 

© Mauricio Rinaldi

Originalmente publicado en 1939, este libro reeditado en 1983 con las actualizaciones correspondientes expone las teorías científicas acerca de la luz desde la Antigüedad hasta nuestros días. La presentación de estas teorías se lleva a cabo sin complicaciones matemáticas y con un discurso claro pero riguroso; se trata de dar a conocer al lector los diferentes paradigmas o modelos desde los cuales se han pensado los problemas sobre a luz en los diferentes períodos de la historia. Así, Ronchi comienza presentando la óptica del mundo grecorromano y de la Edad Media, para luego dar lugar a los grandes modernos como Descartes y el Padre Grimaldi, sin olvidar a Newton y a Huyggens, y a la transición del ‘700 al ‘800, finalizando con la aparición de la óptica ondulatoria de Einstein.

RONCHI, VASCO, Storia della luce. Da Euclide a Einstein, Laterza, Bari, 1983. ISBN: 88-420-2249-7 (328 páginas, 37 figuras).

Convocatoria para IFA 2012

© Vilma Santillán (texto)

Ya está abierta la convocatoria para participar de la edición 2012 de Inteatro Festival Academy-IFA en la ciudad de Polverigi, Ancona, Italia, que se realizará entre el 2 de abril y el 23 de junio de este año.

IFA es un programa de investigación y entrenamiento profesional fundado en 2006 por Inteatro, el cual ofrece la oportunidad a jóvenes realizadores teatrales de todo el mundo de trabajar con artistas teatrales y de la danza de renombre internacional. En esta séptima edición, la propuesta es la realización de una residencia creativa con los artistas Geraldine Pilgrim, Gustavo Frigerio y Cláudia Dias, quienes en su rol de guías ayudarán a los participantes en el desarrollo de sus propios proyectos teatrales. Entre el 21 y el 23 de junio, al finalizar la residencia, una selección de esos proyectos se presentará en el IFA Festival 2012.

Este año el programa ofrece 15 vacantes para artistas y jóvenes realizadores de entre 18 y 35 años. La convocatoria está abierta a coreógrafos, bailarines, artistas circenses y otros performers. Se reciben inscripciones hasta el 19 de marzo.

[+ info en: www.inteatro.it/IFA ; consultas: ifa@inteatro.it ]

Una escuela con iluminación a pedal

© Mauricio Rinaldi (texto), Corriere della Sera 04dic2011 (fotografía)

En la búsqueda de soluciones para disminuir el consumo de energía, surgen diferentes propuestas tecnológicas. Tal es el caso del instituto técnico Vallauri en Roma, Italia, según el proyecto del arquitecto y profesor Oscar Santilli, donde los estudiantes pedalean en una sala con bicicletas. Se trata de un sistema diseñado por Luca Viducci, ex estudiante del Vallauri, constituido por 8 bicicletas fijas conectadas a una dínamo, 8 dímanos a manivela y 2 cintas libres (similares a las que utilizan los ciclistas profesionales para entrenarse) sobre las cuales colocar la propia bicicleta. El sistema tiene la capacidad de registrar los kilowatts producidos por cada bicicleta en particular, de manera que cada estudiante puede conocer la energía producida por sí mismo. La cantidad de energía que un estudiante produce queda registrada en una tarjeta magnética personal cuyo puntaje le da acceso a, por ejemplo, una proyección en clase. Pero, si el uso de este “crédito de energía” se hace racionalmente, se premia a los estudiantes con entradas para el cine o un evento deportivo, libros o el acceso a música en red. Además, desde el punto de vista de la gestión, el proyecto se extiende a profesores, personal administrativo, padres y amigos que pueden ir al instituto a pedalear, convirtiéndose en “donadores de watts”.

Para tener una idea del rendimiento de este sistema, Santilli explica que una hora de pedaleo produce 100KW, lo cual cubre la mitad del uso energético diario de una sala. Esta información hace que se desarrolle en la gente un “razonamiento virtuoso” respecto del uso de la energía. Si se llega a la escuela en motocicleta, suponiendo el consumo de 1 litro de combustible, esto equivale a la energía eléctrica producida en 72 horas de pedaleo. Los estudiantes ahora lo saben, y si llegan a la escuela en bicicleta (por la bicisenda de Via Grottaferrata) y luego al montan en la cinta libre de la sala escolar, tendrán un crédito triple.

Santilli aspira a difundir esta metodología más allá del instituto Vallauri, por ejemplo, si una comuna decide iluminar un árbol de navidad mediante “watts pedaleados”, los productores podrían beneficiarse recibiendo entradas gratuitas para una muestra organizada por esa comuna; también podrían obtenerse descuentos en los productos que se compren en un comercio cuya vidriera fuera iluminada con energía producida a pedal. Todas estas posibilidades, propone Santilli, podrían ser organizadas y gestionadas por Internet. El tiempo dirá qué aceptación y beneficios respecto de esta propuesta para el uso racional de la energía.

[+ info en www.corriere.it ]

Lorenzo Lotto a todo LED

© Mauricio Rinaldi

En las Scuderie del Quirinale, en Roma, Italia, puede verse una magnífica muestra de pintura de Lorenzo Lotto hasta el 12 de junio de este año. El pintor veneciano Lorenzo Lotto (1480ca.-1556) desarrolló casi toda su actividad en la zona centro-norte de Italia, dedicándose principalmente a temas religiosos y retratos de sus contemporáneos. De exquisita factura, sus obras anticipan ya una sensibilidad moderna en su época, haciendo uso de luces blandas pero modulantes que producen un suavizado claroscuro, adelantando así temas del Barroco.

 

Para esta exposición, constituida por 57 obras del artista, la firma Targetti Sankey ha diseñado una iluminación realizada exclusivamente con LEDs. Una gran parte de las pinturas fueron montadas en soportes especialmente diseñados según el formato y las dimensiones de cada una, lo cual permitió prever la ubicación de las fuentes de luz en lugares estratégicos, tanto de incidencia cenital (desde arriba) como nadiral (desde abajo). Según la Targetti Sankey, la reproducción cromática (o eficiencia de color) del LED es perfecta, garantizando así la buena apreciación de los colores de las obras. En este sentido, para cubrir la amplia gama cromática que podemos ver, cada obra se iluminó con dos tipos de LED, de luz cálida y de luz fría, cuya mezcla aditiva (incidencias superpuestas) produce un blanco neutro. De esta manera, todos los pigmentos son realzados por alguno de estos tipos de luz. Las luminarias, de pequeñas dimensiones, fueron diseñadas especialmente, y utilizan LEDs de alta potencia (high power) con un sistema óptico de concentración y haz blando lo cual obligó a montar un conjunto de luminarias para cubrir la superficie de obras de gran formato.

Triple retrato de orfebre (1530)

Si bien la iluminación de esta exposición es muy buena, el resultado es un poco diferente del que estamos acostumbrados a ver con iluminación incandescente. Como ya observaron algunos especialistas, no se trata sólo de incorporar una nueva tecnología de iluminación, sino también de cambiar nuestro paradigma perceptual, es decir, de un cambio cultural respecto de la iluminación.

[+ info en: www.scuderiequirinale.it ]

Caravaggio. La bottega del genio, libro-catálogo de Claudio Falcucci (ed.)

© Mauricio Rinaldi

Quien tenga la posibilidad de viajar a Roma antes del 29 de mayo de este año podrá ver una curiosa muestra sobre el gran pintor italiano, la cual se exhibe en el Palazzo di Venezia, en Roma, Italia. En esta muestra no se verán cuadros originales de Caravaggio, sino que allí se exponen dispositivos y montajes destinados a ilustrar mediante la práctica el modo en el que este artista trabajó para lograr algunos de sus más famosos cuadros. En este sentido, la idea, originaria de Rossella Vodret, es presentar al público una serie de dioramas y dispositivos ópticos para explicar el proceso que Caravaggio habría desarrollado en la composición de las obras. Así, por ejemplo, para el Bacchino malato (1607) y para el San Girolamo scrivente (1605?) se reprodujeron las figuras en resina y siliconas de estos personajes de la mitología y del cristianismo en tamaño real, las cuales fueron acompañadas del caballete del pintor e iluminadas especialmente para mostrar el efecto del claroscuro. Particularmente en el Bacchino… se puede observar un espejo al lado del caballete, en el que se refleja la imagen del modelo, siendo la imagen del espejo la que Caravaggio habría considerado para realizar el cuadro. En el San Girolamo…, en cambio, unos espejos reflejan la luz natural de la ventana y se cree que el artista los habría utilizado para reorientar la luz solar a medida que cambia su dirección y mantener, por compensación, las condiciones del claroscuro producido sobre el modelo, de manera de disponer del tiempo requerido para pintar. Por otra parte, en una sala oscura se montaron tres dispositivos ópticos que permiten apreciar el trabajo de las lentes y la inversión de imágenes de la cámara oscura. Por último, en otras salas se exhiben facsímiles de escritos de la época sobre temas de óptica y formación de imágenes, lo cual constituye el contexto de conocimientos en el que vivió Caravaggio.

Respecto de esta muestra, resulta un material sumamente interesante el catálogo, responsabilidad de Claudio Falcucci. A través de sus 117 páginas se entra en el mundo caravaggesco mediante artículos de Rossella Vodret y Claudio Falcucci, quienes analizan la obra del pintor, explicándose luego las etapas de producción de los elementos exhibidos. En este sentido, el catálogo incluye 105 imágenes de obras de Caravaggio, grabados y facsímiles de época de textos y gráficos sobre óptica, fotografías del taller donde se construyeron las estatuas-modelo y de los dispositivos ópticos, y una simulación digital. Una abundante bibliografía completa la información. De esta manera, el catálogo constituye una fuente importante para quienes se interesan por la aplicación de la luz sobre el espacio con resultados plásticos.

FALCUCCI, CLAUDIO (ed.), Caravaggio. La Bottega del genio, edizione Munus, Roma, 2010. ISBN: 978-88-8265-596-9.

Caravaggio, su vida y su arte

© Vilma Santillán (texto)

A fines de 2010 apareció a la venta en las librerías porteñas un libro sobre la vida y el arte de Caravaggio. Se trata del ensayo de Helen Langdon, historiadora y crítica de arte británica, especializada en el Renacimiento y el Barroco italianos. Es un libro ameno, interesante, que se lee casi como una novela, que sabe captar el interés y la atención del lector, pleno de datos sobre el contexto histórico, social y cultural en el cual Caravaggio vivió y desarrolló su arte. La autora abrevó en una gran cantidad de fuentes diversas: catálogos de exposiciones, memorias, cartas, biografías previas sobre el artista, documentos de época, información toda que está organizada en notas por capítulo al final del libro.

Acompañan al texto ilustraciones en color y en blanco y negro de las obras de Caravaggio, así como otras de artistas contemporáneos a Caravaggio. También, un listado con la ubicación de las obras del artista mencionadas en el libro y un útil índice onomástico.

Ficha técnica: Caravaggio, Helen Langdon, Edhasa, Barcelona, 2010. ISBN: 978-84-350-1848-7.

Convocatoria para IFA 2011

© Vilma Santillán (texto)

Ya está abierta la convocatoria para participar de la edición 2011 de Inteatro Festival Academy-IFA en la ciudad de Polverigi, Ancona, Italia, que se realizará entre abril y junio de este año.

IFA es un programa de investigación y entrenamiento profesional fundado en 2006 por Inteatro, el cual ofrece la oportunidad a jóvenes realizadores teatrales de todo el mundo de trabajar con artistas teatrales y de la danza de renombre internacional. Para este año, la propuesta incluye la realización de tres talleres diferentes en los cuales cada uno de sus directores expondrá sus propios lenguajes escénicos y métodos de trabajo. Al finalizar cada taller, se seleccionarán dos proyectos que serán presentados en el Festival Internacional Inteatro de Polverigi entre el 28 de junio y el 2 de julio. Los artistas a cargo de los talleres son: Geraldine Pilgrim (del 18 de abril hasta el 1 de mayo), Gustavo Frigerio (del 16 hasta el 29 de mayo) y Cláudia Dias (del 31 de mayo hasta el 13 de junio). Para participar en los talleres hay disponibles 12 vacantes. Cada participante puede realizar uno o más talleres. Se reciben inscripciones hasta el 4 de marzo.

[+ info en: www.inteatro.it/IFA ; consultas: info@inteatro.it ]

Caravaggio: las luces y las sombras de una vida

El laudista

© Mauricio Rinaldi

No podemos dejar pasar el 2010 sin recordar a Caravaggio. En efecto, en este año se cumplen 400 años del fallecimiento de este pintor que está ubicado entre los principales claroscuristas. Michelangelo Merisi, tal el nombre verdadero de este artista, nació el 19 de octubre de 1571 en el pueblo de Caravaggio, de donde tomará su nombre. Murió en julio de 1610. La importancia de este artista es doble ya que no sólo su obra posee un valor propio, sino que, además, influyó en pintores como Zurbarán, Velázquez y Rubens.

Su formación se inicia en 1584 en el taller de Simone Peterzano en Milán, donde desarrolla la técnica pictórica y se embebe de los cánones estéticos de la Contrarreforma establecidos, entre otros, por Carlo Borromeo. Su viaje a Venecia en 1592 lo pondrá en contacto con la obra de Tiziano y Giorgione, y ya en Roma, recibirá importantes encargos. Entre 1600 y 1604 Caravaggio llega a su desarrollo máximo como artista, aunque también se agravan sus problemas con la justicia. De fuerte carácter, Caravaggio tuvo una vida muy agitada, llegando a asesinar a un hombre en una pelea callejera. La condena a muerte que este incidente le acarrea lo hace huir a Nápoles en 1605, donde recibirá otros importantes encargos. Luego se traslada a Malta con la intención de entrar en la Orden de los Caballeros de Malta y obtener así el indulto del Papa, pero es expulsado de esa organización. Creyendo en que el indulto papal está cercano, se dirige nuevamente a Roma en 1610, pero es apresado en el Porto Ercole y escapa, muriendo poco después en circunstancias poco claras. Artista que se desenvolvió en los más altos niveles sociales, se mezcló como hombre con los estratos más bajos de la sociedad contactándose con individuos de vidas frecuentemente dudosas. Así, las luces y las sombras de su vida llevan un paralelo con el claroscuro de sus pinturas.

Para comprender el uso de la luz en Caravaggio debemos entender primero su modo de pintar, lo cual está en estrecha relación con su concepto del arte. El tratamiento de la luz en la obra de Caravaggio es eminentemente teatral. El empleo de luces laterales, generalmente sin apoyo luces de relleno, es casi una constante en sus escenas, lo cual produce grandes diferencias entre luces y sombras. Renacentista en su nacimiento, Caravaggio es Barroco en su sensibilidad. Para quienes nos dedicamos al arte de la iluminación, la observación de pinturas del Barroco es de gran ayuda, ya que constituye un buen ejercicio de entrenamiento visual. El estudio detallado de estas obras nos muestra cómo la manipulación de la luz sobre un espacio puede lograr resultados visuales de gran valor expresivo. Por ello, tomamos esta nota como el inicio de una serie de análisis de la luz en la pintura.

Caravaggio, maestro del claroscuro

Caravaggio: La cena de Emaús

© Vilma Santillán (texto)

Nacido como Michelangelo Merisi (1571-1610), pintor italiano más conocido como Caravaggio, no llegó a vivir 40 años pero su arte ha trascendido todas las fronteras y todos los tiempos. Este año, a cuatro siglos de su muerte, se le rindió homenaje en Roma, Italia, con una espectacular muestra en las Scuderie del Quirinale, muestra en la que se pudo reunir el 50% de su producción pictórica.

Creador de un arte innovador, veraz y popular, usó como modelos para sus obras vecinos de pueblo, cortesanas de Roma, gitanas y gitanos, niños sucios y descalzos. Por ello, muchos de sus cuadros encargados por la Iglesia fueron, luego de realizados, rechazados por ésta, por considerarlos “vulgares, sacrílegos, de mal gusto (…) alejados de todo buen pensamiento (…) Caravaggio violentó sistemáticamente el principio de decoro en la pintura sancionado por los ideólogos de la Contrarreforma, para quienes los personajes divinos debían aparecer con los atributos sagrados y no con aquellos que los vulgarizan a los ojos del espectador”. Más allá de estas opiniones de la época, su arte ejerció una influencia muy importante sobre varios pintores españoles del Barroco, como Ribera, Zurbarán, Velázquez o Luca Giordano.

Sus problemas con la Iglesia, sus continuos pleitos, su homosexualidad, los escándalos creados por sus obras, sus períodos en varias cárceles y sus fugas posteriores (de Roma y de Malta), su proscripción y su posterior condena a muerte en Roma, son todas circunstancias que rodean al artista y que crean la fama de un Caravaggio provocador e incomprendido (“un artista maldito” a la manera de Baudelaire), fama ésta que supera, en muchos casos, el conocimiento sobre sus obras.

[+ info en: González Prieto, Antonio y Tello, Antonio: Grandes Maestros de la Pintura: Caravaggio, Editorial Sol 90, Clarín, Barcelona, 2006. ISBN: 978-84-9820-363-5]